Художній метал Західної Європи від епохи Відродження до 18 століття

Художній метал Західної Європи від епохи Відродження до 18 століття.

Художній метал епохи Відродження

         Як і інші види декоративного мистецтва, ювелірна справа в період Відродження досягає розквіту: карбований посуд з багатофігурними сценами, чернені композиції на пластинах, предмети для прикраси одягу, перстні, браслети, нагрудні підвіски з емаллю, дорогоцінними каменями та перлами. Ювеліри Італії виробляють предмети релігійного призначення і безліч різноманітних повсякденних речей для знаті та багатих городян: глечики, чаші, миски, тарілки, зроблені з твердих порід каменю.

         В Італії тенденції нового стилю виражаються у численних зображеннях, висхідних до греко-римської античності. Це не тільки оголені людські фігури, але і міфологічні істоти: кентаври, тритони і нереїди, виконані в техніці рельєфу і круглої скульптури.

        Творцями виробів зі срібла та бронзи нерідко стають скульптори та графіки.                       

 Ювелірне мистецтво набуло переважно світського характеру. Відроджуються техніки 

обробки каменю та металу,  забуті з часів Римської імперії.

Власноруч ювелірні вироби створювали Донателло, Ботічеллі, Дюрер, Челліні.

    В кінці 16 ст. перлини неправильної форми віртуозно використовувалися в ювелірному мистецтві, їх нерідко застосовували для зображення частин людського тіла або фігур деяких тварин.

        Протягом століть перлам приписували особливі властивості.

Рельєфне моделювання, використання золота, емалі, рубінів, смарагдів, алмазів і перлів дозволяли знімати міфологічні, або біблійні сцени, чудовиськ, драконів, птахів, кораблі, що пливуть під вітрилами, і навіть мініатюрні архітектурні композиції, доповнені арками, колонами і нішами для фігур.

Італійський скульптор, ювелір і письменник Бенвенуто Челліні (1500-1571 рр..) - автор віртуозних скульптурних та ювелірних творів, відзначених витонченим декоративізмом, орнаментальністю складних композиційних мотивів, контрастним зіставленням вишуканих матеріалів. Одним з чудових предметів, створених Челліні, є велика золота сільничка, зроблена в середині XVI ст. для короля Франциска I Французького. 

Сільничка увінчана напівлежачими фігурами Нептуна з тризубом, оточеного морськими кіньми, і Землі, поряд з якими поміщена перечниця у вигляді античного храму. Підставка прикрашена алегоричними фігурами Зорі, Дня, Сутінків і Ночі, навіяними образами Мікеланджело; між ними розташовані символічні зображення вітрів. Ця сільничка є безперечним шедевром Челліні і виконана в 1540 р.

    Ювелірне мистецтво Німеччини переживало період підйому. У таких містах, як Нюрнберг і Аусбург, закладаються основи німецького Відродження. Змішання старих традицій з новими пошуками проявилося у прикладному мистецтві, особливо в ювелірній справі.

У XVI і XVII ст. в Європі славилися вироби нюрнберзьких золотарів Ямнітцерів. Найвидатнішим з них був Венцель Ямнітцер. https://g.co/arts/YPFWhaHciKb4iBTq7

Ним була заснована майстерня, в якій він разом з племінником і підмайстрами почав виготовляти пишні декоративні рукомойні глечики, срібні блюда і декоративні настільні прикраси. 

         У Німеччині був створений оригінальний тип кубків або келихів для вина, призначений для офіційних і урочистих випадків. Традиція фігурного посуду в Європі дуже давня. В середні віки широко поширені бронзові і латунні акваманілеї (водолії), що зображують звірів, птахів, людей. Наступний значний етап розробки оригінальних форм посуду припадає на XVI-XVII ст. і пов'язаний з бурхливим розвитком виробництва художнього світської начиння із срібла.

Спочатку такі посудини прикрашали опуклим карбованим візерунком (так звані «ананасні кубки»), потім з'явилися посудини з рельєфними фігурами і рослинними орнаментом. Кришки такого кубка мали навершя у вигляді фігури воїна або міфологічного героя. Разом з технічною майстерністю ці вироби свідчили про тенденції до орнаментального багатства, що доходить до надмірності. Цією ж тенденцією відзначений і вибір матеріалу: не задовільняючись золотом або позолоченим сріблом, майстри додають до них кольорові емалі та дорогоцінні камені. 

Виконання таких посудин давало майстрам можливість блиснути своїм умінням моделювання фігури в складних ракурсах, ефектно виявити силует, підкреслити декоративність твору. Одночасно проявлялося мистецтво володіння технічними прийомами обробки срібла - карбування, виколотка, литтям, гравіруванням, золоченням.

У XVI в. широко поширилися кубки і декоративні посудини у вигляді парусних кораблів з повним оснащенням і озброєнням. 

З далеких заморських країн - Індії, Африки, Америки - збільшився приплив екзотичних матеріалів: слонової кістки, кокосових горіхів, страусових яєць, перламутрових раковин. Наприклад, у посудинах з раковин великих морських молюсків - наутілусів - особливо вдало використана природна форма для передачі об'єму і виразності силуету птиці.

П. Фішер Рака Св. Зебальда

Деякі види фігурних судин здавна служили кубком для нагородження переможця в стрілецьких змаганнях. Іноді традиція була пов'язана не стільки зі звичаєм вживання посуду, скільки з бажанням слідувати улюбленій формі. Імперське місто Нюрнберг в історії світової культури і мистецтва відзначений особливою славою. Прославив місто в XVI в. творець перших в Німеччині скульптур з металу Петер Фішер , найзнаменитішим твором вважається рака св. Зебальда в Нюрнберзі.

Альбрехт Дюрер - художник, гравер, скульптор, архітектор, він надав неабиякий вплив на мистецтво ювелірів не тільки свого міста, а й усієї Німеччини. Він першим ввів «в світ абстрактних геометричних форм срібного посудин натуральні форми». Завдяки його гравюрам і малюнкам з'явилися перші кубки і чаші у вигляді плодів - яблук, груш.

Леонар Лімозен, Генріх ІІ

Емаль, що досягла великих висот у романську і готичну епоху, в період Ренесансу отримує новий напрямок: виїмчата і перегородчаста техніки змінюються розписними емалями. Майстерні Ліможа продовжують займати провідне місце. Цей вид художнього ремесла вимагав великої майстерності і зазвичай передавався з покоління в покоління майстрами, імена яких дійшли до нашого часу. Починаючи з 1530 р. більшість емалей підписані. Особливо відомі імена Пеніко і Лімозен, майстрів з родини потомствених емальєрів. Серед них найбільш видатним був Леонар Лімозен, який створив для Сент-Шапель два вівтарні пластини, датовані 1552 і 1553 рр.. У центрі однієї пластини зображений шлях на Голгофу, на іншій - Воскресіння, навколо основних сюжетів поміщені інші епізоди, а також портрети Франциска I, Генріха II і королев.

         Для цього періоду характерна (як в емалях, так і в інших декоративних жанрах) тенденція зближення з живописом.

В епоху Відродження широко використовувалась бронза, особливо в Італії. Тут центрами бронзового литва були Венеція і Падуя. З неї виготовлялися дверні молотки у палацах із зображенням морських божеств, канделябри, ліхтарі, чорнильниці, дзвіночки, а також медалі та плакетки. Антоніо Пізанелло завоював широку популярність своїми портретними медалями. Бенвенутто Челліні, Леоне Левони, Андреа Річчо - найбільш видатні автори плакеток з композиціями міфологічного змісту.

З бронзи у Франції виготовлялися різноманітні вироби: посуд, водолії, свічники, чорнильниці, фігурні дверні молотки. Серед кованих залізних виробів виділяють ліхтарі для середньовічних і ренесансних будинків і пишні решітки бароко.

Художня обробка заліза особливо широко практикується в Італії та Іспанії, де виготовляються різноманітні предмети. У Лукка і Венеції виробляються залізні палацові огорожі, грати для балконів і перегородок всередині будинку, герби. Міланська родина Негролі прославилася виготовленням багато прикрашеної зброї з карбованими фігурами і інкрустованим орнаментом. Крім того, цими ж майстрами на замовлення Карла V були викувані скриньки для коштовностей і несесери з пишно декорованою поверхнею.

У мистецтві обробки заліза чільне місце посідає також Німеччина. Стилістична особливість робіт німецьких майстрів проявляється в широкому використанні рослинного завитка, витончені вигини котрого надають огорожам, прикрашеним цим орнаментом, враження легкості. Такої ж досконалості домагається в своїх творіннях і празький майстер Георг Шмідхаммер, автор гробниці Максиміліана I в палацовій церкви в Інсбруку та решіток собору св. Віта в Празі.

У Франції значних успіхів вдається досягти в обробці олова, яке широко використовувалося і в Німеччині. З нього виготовлялася посуд, використовуваний для повсякденних потреб, і парадний, який виставлявся на показ для гостей.

Художній метал Західної Європи 17-18 ст.

Бароковий художній метал

У ювелірному мистецтві найбільш яскраво розвиток стилю бароко отримав в роботах французьких майстрів, постачальників двору Людовика XIV. Правління Короля-Сонця (1643-1715) стало апогеєм абсолютної влади, і для оформлення цієї влади була потрібна гідна оправа. Наймайстерніші ювеліри, так само як і кращі майстри інших видів мистецтва, стікалися до французького королівського двору. Цікаво відзначити, що золотих справ майстри користувалися там особливими привілеями, не випадково тільки їм і живописцям було дозволено найвищим указом носити шовкові панчохи, що до тієї пори дозволялося лише дворянам.

В результаті роботи художників і майстрів склалися характерні особливості, а також ті форми й елементи декору, які відрізняють мистецтво бароко. Цьому стилю притаманні, перш за все, яскрава помпезність і стримана велич. Але разом з тим у відповідності зі смаками того часу він експресивний і життєрадісний, що ясно проглядається як в архітектурних спорудах, так і в творах декоративно-прикладного мистецтва - у динаміці їхніх силуетів, грі світла й тіні, пишності й соковитості декору, складності криволінійних обрисів. В орнаментиці бароко переважали важкі гірлянди квітів і плодів, мушлі і волюти, мотиви аканта, примхливих бантів, картушів, подвійного завитка у вигляді літери «С».

Особливою декоративністю відрізнявся костюм епохи бароко. Характерні для того часу мальовничі драпірування створювали інтригуючу гру світла і тіні, властиву цьому стилю, і вимагали повільних, плавних рухів, що відповідали прийнятому палацовому церемоніалу. Модні жіночі сукні володіли вельми складним і вибагливим силуетом, який виникав через контраст між дуже вузьким декольтованим корсажем і широкою спідницею. І чоловічі камзоли, виконані з візерунчастої парчі, і шовкові або парчеві жіночі сукні - всі костюми знатного дворянства майже суцільно були прикрашені мереживом, стрічками, шнурами, вишивкою.

Однак залишалося місце й для коштовностей. Відкриту шию дами обвивали нитки прекрасних перлів, дуже модних в епоху бароко. У вухах сяяли розкішні сережки з трьома перловими підвісками, так званої форми «жірандолі». Перли також нашивали разом із стрічками на сукні, ним прикрашали волосся і талію. Мода того часу була прихильна і до дорогих перстеів з рубінами і смарагдами, закріпленими у високих кастах. Прикметою часу можуть служити і дорогоцінні пряжки для одягу і взуття.

Наявність у костюмі численних драпірувань вимагало різних шпильок. Їх замінили брошки, які вперше увійшли в ужиток саме в епоху бароко. Великі декоративні брошки, декоровані яскравими каменями - смарагдами, рубінами, сапфірами, перлами, - прикрашали декольте корсажа або підкреслювали тонку талію дами. Невеликі брошки-розетки, оформлені дорогоцінними каменями, скріплювали модні тоді незлічені прорізи на сукнях. Але, мабуть, найбільш характерні для «стилю розкоші», як часом називають мистецтво цього часу, прикрашені каменями ажурні брошки-склаважі - їх прикріплювали до шийної стрічки або акцентували ними глибокі декольте.

Дивно ефектні великі брошки, що виконувалися у вигляді букетів квітів або переплетених гілок, або у вигляді всіляких стрічок, зав'язаних бантом. За однією з легенд, виникнення моди на брошки-банти пов'язано з  мадам де Севіньє, яка прославилася своїми емоційними листами до дочки, в яких вона барвисто описує побут і звичаї світського товариства її часу. Підтвердженням цієї легенди може служити прийнята пізніше назва брошки-банта з підвіскою - «брошка де Севіньє». Всі брошки того часу у відповідності з принципами стилю бароко мали пишні, суворо симетричні форми і були рясно прикрашені глибокими за кольором дорогоцінними каменями.

Царська пишність французького двору і головної резиденції Людовіка XIV - Версаля, де ні на день не переривалася низка сліпучих святкувань, перетворило Францію у визнану законодавицю моди, якої прагнуло наслідувати дворянство всієї Європи.

З часом пишні, великовагові форми і симетричні композиції бароко змінилися на грайливу легкість химерних асиметричних форм і легкі ніжні фарби нового стилю - рококо. 

Назва «рококо» (rococo) походить від мотиву «рокайль» (французьке-rocaille), головного елемента орнаменту цього стилю, що будується на основі завитка мушлі. Цей тріумфально-святковий стиль, що з'явився в мистецтві Франції в другій чверті XVIII століття, збігається за часом з правлінням короля Людовика XV (1715-1774). Незабаром стиль рококо поширився в більшості країн Європи. Він визначив розвиток не тільки архітектури, живопису, скульптури, але в ще більшому ступені всіх видів прикладного мистецтва, включаючи меблі, бронзу, шпалери, тканини, фарфор і, звичайно, костюм і ювелірні прикраси.

Успадкувавши основні форми від мистецтва попередньої епохи, стиль рококо виявився зовсім іншим в головному - претензійною парадності бароко він протиставив камерність і грайливе витонченість стилю аристократичних салонів. Така трансформація орієнтирів не могла не викликати змін до пластичних і композиційних рішеннях, які і визначили характерні особливості нового стилю.

Художники того часу, відмовляючись від ясної конструктивності своїх творів, шукали новий ідеал краси в витонченої граціозною пластиці, асиметричних композиціях, вигнутих лініях. У порівнянні з бароко орнаментика рококо придбала дивовижну легкість і витонченість, акантовий лист став тоншим, стрічки в гірляндах почали розвиватися, листя - закручуватися, а головний елемент орнаменту рококо - мушля - перетворилася на віялоподібну композицію з пелюсток.

Стиль рококо знайшов надзвичайно яскраве художнє втілення і в ювелірному мистецтві. Це збіглося з повсюдним поширенням діамантового огранування алмазів, винайденої, на думку деяких дослідників, в кінці XVII століття венеціанцем Вінченцо Перуцці. Блискучий, який грає всіма кольорами веселки камінь, чудово підходив до естетики мистецтва рококо, і в прикрасах серед інших дорогоцінних каменів пальма першості була віддана діаманту. Щоб краще продемонструвати незрівнянну красу цього каменю, ювеліри почали виготовляти витончені оправи, використовуючи для них не жовте золото, як раніше, а срібло. Для дрібних діамантів стали виконувати закріпку «паве», що дозволяє розташовувати камені близько один до одного, майже суцільно покриваючи ними поверхню виробів.

Модний костюм епохи рококо був вельми прихильний до коштовних прикрас. Глибокі, відверті декольте жіночого плаття, які доходили іноді до талії, сприяли появі моді на кольє. Особливим успіхом користувалися діамантові кольє з підвісками каплевидної або зіркоподібною форми. Увійшли в моду гарнітури прикрас, які в той час включали аналогічні по малюнку, роботі і матеріалу сережки, кільця, прикраси для голови і дещо рідше - браслети.

Світлоносні діаманти у легких ажурних оправах, що прикрашали сережки, оживляли обличчя і робили його ще більш ефектним і інтригуючим, що так цінувалося в епоху рококо. При цьому перевага віддавалася так званим сережках «бріолез» - з рухомо закріпленими довгими підвісками каплевидної і зіркоподібною форми.

Не виходили з моди і популярні в епоху бароко брошки у формі бантів зі стрічок, сплетених гілочок або букетів квітів, але стиль рококо вніс в них свої корективи. Брошки заблищали діамантами, їх форми стали витонченішими, лінії більш гнучкими, колорит вишуканіше, а динамічні композиції втратили колишню врівноваженість і симетрію.

Під впливом пануючої в той час «пасторальної моди», дами полюбляли прикрашати свої сукні квітами - живими та штучними, але особливу перевагу вони віддавали барвистим букетам, виконаний з коштовних каменів і діамантів. Адже не випадково XVIII століття називають «століттям квітки і алмазу». Тоді ж в моду увійшли так звані «портбукети», що служили своєрідною дорогоцінної вазою для букетів з живих квітів, в які найчастіше для додання прикрасам більшої цінності включали квіти із золота, срібла і розкішних каменів.

Особливу увагу модниці того часу приділяли зачіскам. Мабуть, ніколи раніше - та й пізніше - волосся не укладали настільки складно і хитромудро, як в епоху рококо. Часом пані носили на головах цілі натюрморти з квітів, стрічок, шпильок, пір'я, доповнюючи свої химерні зачіски дорогоцінними прикрасами. Саме тоді в моду увійшли всілякі хиткі під час руху, часто ажурні шпильки рухомих конструкцій, як їх тоді називали, «цітернадель» (від німецького zittern-тремтіти і nadel - шпилька). Великою популярністю користувалися ефектні Егрет, асиметрію яких підкреслювали витончені пір'я, а іноді і яскраві метелики.

Але не тільки жінки в той галантний століття виявляли інтерес до коштовностей. Чоловіки прикрашали блискучими орденами груди, заколювали коштовностями мереживні жабо, вставляли діаманти в пряжки брюк, хизувалися розкішними перснями і чудовими рукоятками шпаг; ознакою особливої елегантності кавалера служили золоті брелоки.

У другій половині XVIII століття блискучого розквіту  у всій Європі, досягло мистецтво емалевою мініатюри. Портрети на емалі поміщали в кільця і брошки, оточуючи їх паском з діамантів чи дрібного перлів. Але в чітких строгих оправах цих прикрас вже помітні риси нового стилю - класицизму.