1. Художній метал Західної Європи кінця 18-19 століття

Художній метал Західної Європи кінця 18-19 століття

 КЛАСИЦИЗМ

На межі XVIII і XIX ст. складаються два стилістичні напрямки - класицизм і ампір. Обидва стилі характеризують час правління Наполеона Бонапарта. З 60-х років XVIII ст. французькі майстри звернулися до класицизму. У його формуванні велику роль відіграли розкопки 1719 р. у Геркуланумі і 1748 р. в Помпеях. Позначилася тенденція «повернення до античності». У цьому процесі важливе значення мали опубліковані І. І. Вінкельманом в 1750-1760-х рр.. дослідження, присвячені античному мистецтву.

Парюра

Прикладне мистецтво перебувало під впливом архітектури, її точних ліній. Форми виробів стали простішими і строгішими, їх силуети - спокійніші, предмети спиралися на стійкі, масивні гранені ніжки-завитки. Декор класицизму логічний і зрозумілий, для нього характерні симетрія і врівноваженість. Змінилася його функція. Якщо рокайльний декор приховував конструкцію, маскував перехід однієї частини в іншу, класичний підкреслював членування предметів. Улюбленими елементами орнаментики класицизму були медальйони, вінки, факели, античні вівтарі, урни, триножники, драпірування і різні зображення міфологічних істот.

Набір ювелірних прикрас епохи класицизму був досить обмежений. Проте до деяких видів прикрас мода того часу проявляла виняткову прихильність. Так , вона сприяла незвичайною популярністю круглих і овальних брошок - ними заколювали модні кашемірові шалі , необхідні при легкому одязі . У золоті оправи брошок вставляли античні камеї або тонко виписані емалеві портретні мініатюри , які , як правило , оточували пояском з дрібних діамантів чи перлин . У той час мода була небайдужа і до каблучок - їх носили багато, а на світських раутах часом на всіх пальцях рук. У вечірній час перевага віддавалася кільцям з блискучими у світлі свічок великими , переважно світлими дорогоцінними каменями , красу яких відтіняли  діаманти. У денний час носили більш скромні прикрас

и - з рисунчатого агату , іскристим авантюрином , яскравими сердоліками , а в кільцях молодих дівчат допускалося використання бірюзи. Оголені руки в той час було прийнято також прикрашати численними золотими обручами або різноманітними браслетами в грецькому стилі , браслети навіть носили на ногах , під прозорими тканинами. Пані  доповнювали модні зачіски в грецькому стилі золотими обручами , часто декорованими гравійованим меандром . В особливо урочистих випадках надягали діадеми, прикрашені діамантами і перлами, орнаментальний декор яких володів чітким ритмом і відрізнявся почуттям міри. Художнє рішення діадеми , що була тоді домінантою парюри ( парюра - комплект прикрас в одному стилі) , визначало декоративне оформлення всіх прикрас , що входили в комплект . На початку XIX століття відродилася техніка ажурної філіграні , з філігранних ниток становили намиста , плели сітки для волосся , з'єднували ними окремі деталі браслетів і кольє. Особливо чарівні були золоті і срібні сережки з грушоподібної підвіскою. Хоча лінії рослинного візерунка скані плавно звивалися і перепліталися , вони створювали ясні , легко читаються малюнки , не схожі на складні орнаментальні композиції рококо. Чоловіки , натхнені модними ідеями громадянськості , не виявляли настільки великого інтересу до коштовностей , як це було в XVII - першій половині XVІII століття , проте набір їхніх прикрас включав персні , шпильки для краватки або шийної хустки та годинники, що підвішували на спеціальний ланцюжок - « Шатл » , обробленою вельми майстерно .

У XVIII столітті велика увага приділялася декоративному оформленню обіднього столу. Зазвичай в центрі столу містилися великі срібні або бронзові вази для квітів, порцелянові скульптурні групи, які зображали героїв античної міфології. Між ними ставили срібні або бронзові багаторіжкові канделябри і свічники, срібні супові чаші, блюда з кришками, пляшкові і рюмочні передачі.

 У XVIII ст. жодна країна не могла змагатися з Францією у виробництві виробів зі срібла і позолоченої бронзи.

Бронза була прекрасним матеріалом для виготовлення різноманітних предметів оздоблення інтер'єрів, для вираження сміливих задумів художників-орнаменталістів. Професіоналізм бронзовщиків дозволяв створювати як великі предмети, так і дрібну пластику. Широко застосовувалися накладки, що прикрашали меблі і одночасно збільшували її міцність. Повсюдно були поширені бронзові світильники.

Особливо цінувалися вироби видатного бронзівника другої половини XVIII в. П. Гутьєра. Його бра і канделябри відрізняються ретельністю опрацювання виливки, поєднанням блискучої і матовою позолоти, винахід якої приписували цьому майстру.  Серед майстрів бронзового справи провідна роль належала придворному майстру П.-Ф. Томіру. В декорі його виробів використані різноманітні варіанти жіночих фігур: каріатиди, грації, богиня Вікторія.

 АМПІР

Ампір (від фран . Empire - імперія ) , стиль імперії Наполеона Бонапарта , що сформувався в період його тріумфу і переможних битв. Імператорський двір з його грандіозними чудовими балами, вимагав багатого художнього оформлення, що призвело до перегляду ідеалів класицизму і нового сприйняття

античної спадщини . Еталоном для наслідування у Франції і майже одночасно в інших країнах Європи стало не так стримано-прекрасне мистецтво Греції , скільки величні , монументальні форми Стародавнього Риму початку нашої ери. Під час коронації Наполеона в 1804 році його костюм був прикрашений безліччю прикрас в римському дусі. При ньому увійшов у моду комплект жіночих прикрас з тіари , діадеми , шпильок , намиста , сережок , перснів , браслетів , брошки і пряжки - все з діамантів . Такі комплекти - парюри були в обох дружин Наполеона. Еталоном ампірного стилю в ювелірних прикрасах

Е. Ніто Тіара з камеями

став придворний ювелір Бонапарта Етьєн Ніто , родоначальник існуючої і сьогодні відомої паризької фірми « Шоме ». Парюри , виконані французьким ювеліром для імператриці Марії - Луїзи , вражали яскравою помпезністю , пишністю каменів і досконалістю роботи . Подібні риси відрізняли і вироби інших ювелірів стилю ампір. Форми їх прикрас стали складнішими, декор ряснішим , а вишуканий малюнок композицій став дещо сухуватим . Ювелірні вироби нового стилю гармонійно поєднувалися зі зміненим жіночим платтям , виконаним з більш важких тканин і рясно декорованим драпіровками і золотими вишивками .

Прикрас в цей час носили багато і в будь-який час дня . Знову повернулася мода на кольорові дорогоцінні камені , і , поряд з рубінами , смарагдами і сапфірами , в прикрасах нерідко можна було побачити топази й аметисти в оточенні діамантів. Із задоволенням носили намиста з декількох рядів перлинних ниток і перлинні сережки . Інший модою , відродженою імператором , було носіння камей , імітацій старовинних гем . Дами носили прикраси на шиї , численні браслети на руках , дорогоцінні кільця , у вухах - важкі сережки з підвісками . Коштовності були присутні в зачісці і завершувала ансамбль діадема . Неокласична мода поширилася з Франції в країнах Європи , особливо в Англії. Одночасно з цим в результаті індустріальної революції з'явилося широке стан середнього класу. У ювелірному бізнесі це призвело до масового виробництва недорогих прикрас. До цього часу відноситься перша біжутерія зі скла з покриттям з рибної луски , схожа на перли , і камеї з раковин , що імітують напівкоштовні камені. Майстрів, що працюють з менш дорогими матеріалами , назвали біжутерщікамі (від фран . Bijoutier ) , а їх продукцію біжутерією.

МОДЕРН

 В останній чверті XIX ст. майстри декоративно-прикладного мистецтва почали пошук нових шляхів розвитку. Їх не влаштовувало подальше співіснування, а деколи і змішування стилів, зниження рівня масової продукції. Виникла потреба у створенні єдиного стилю у виробництві речей, форма, декор і технічне виконання яких відповідали б особливостям матеріалу. Новий стиль - модерн - виник у Парижі та Нансі, а потім розповсюдився по всій Європі. Характерно, що даний художній напрям в різних країнах Європи носив різні назви. Так у Франції це був арт-нуво, в Німеччині - югендстиль, в Італії - ліберті. З різноманіття факторів, що характеризують стиль модерн, слід зазначити звернення майстрів до природних форм, відтворення текучих, хвилястих ліній рослин, тварин і їх стилізацію. Модерн винайшов свій специфічний колорит, наповнений болотними, трав'янистими відтінками буро-зеленого, коричневого, мутного, нечистого з домішкою лілового, рожевого. У ньому могли виявлятися і більш сильні тони: багряно-червоний з контрастно-чорним.

Одним із самих чудових майстрів цього часу був Рене Лалік. 

Р. Лалік Брошка "Жінка-стрекоза"

Він довів техніку литва до досконалості, відродив вітражну емаль, широко використовував у своїх творах переливчасті емалі живих гарячих кольорів. Найважливішою заслугою митця стало переосмислення значення прикрас для людини. Рене Лалік - революціонер ювелірного мистецтва у всіх сенсах цього слова.  Відкинувши золото і діаманти, він експериментував з бурштином, емаллю, сплавами металів, улюбленими напівдорогоцінним камінням, рогом і черепашачим панциром. 

 З природних мотивів Лалік віддавав перевагу простим формам: іриси, садовий в'юн, конвалія. Оригінальність художника проявилася в любові до напівкоштовних каменів, що до того часу вийшли з моди.

Анрі Веве  Підвіска "Сильфіда"

У японському стилі працював А. Веве. Художник-колекціонер, який володів чудовими зразками прикладного мистецтва Японії, він створив підвіску «Сильфіда» у вигляді жінки-метелики, крила якої переливаються дорогоцінними каменями. Це один з найбільш характерних ювелірних творів арт-нуво. 

Ідилічним трактуванням екзотичних рослин і комах відрізняються роботи ювелірів Жоржа Фуке. Але справжнє визнання Дому Фуке принесла співпраця його глави з художником Альфонсом Мухою. Одним із шедеврів цього співробітництва став браслет «Змійка», виготовлений для знаменитої актриси Сари Бернар.

Жорж Фуке Підвіска

Відродження поняття «мужність» вдихнуло нові сили в декоративне мистецтво. Колишнє, витончене, криволінійне арт-нуво перетворилося на нове, прямолінійне арт-нуво. Новатором у цьому напрямку був Чарльз Ренні Макінтош (1868-1928). Основним джерелом його натхнення була кельтська культура, і це захоплення зробило безпосередній вплив на мистецтво арт-нуво в цілому.

АРТ-ДЕКО

На початку 20-х років західний світ все ще приходив до тями після Першої світової війни. У той час більшість людей жадало протиотрути від жаху і болю - розваг, фривольність, легковажності. Тим не менш реакцією на легковажність і декадентство став строгий, напружений, безкомпромісний стиль, який пережив війну, загартувавшись в ній. Кубізм, що вирвався за межі гуртка Пікассо і Брака, з 1911 р. намагався частково примирити мистецтво зі світом, який все прискорювався. У 1925 р. в Парижі відбулася Міжнародна виставка декоративного мистецтва, що дала новому стилю арт-деко його назву. Стиль арт-деко був вирощений в надрах кубізму. Це був кубізм, одомашнений для масового споживання. Якщо кубізм надав арт-деко його характерні форми, то російський балет дав йому кольору. Російський балет вніс нові, шокуючі кольори: сліпучо-оранжевий, смарагдовий і жовтувато-зелений. Модні декоративні мотиви 20-х років - джерело, з которого рясно струменіє вода; безтурботні лані, газели і антилопи, самки оленів з оленятами, хорти.

Термін «арт-деко» позначає стиль, що поєднує в собі класичність, симетричність і прямолінійність. Як художній напрям він оформився в 1908-1912 рр.. і досяг розквіту між 1925 і 1935 рр.. Арт-деко був також відомий як «джазовий модерн», «зигзаг модерн» і «обтічний модерн» - останній термін відноситься до форм, що утворювались на обтічних силуетах автомобілів, кораблів і літаків.

У дорогоцінних прикрасах цього часу використовувалися діаманти. З ними працювали ювеліри фірми Картьє. Але в творах таких художників, як Жан Фуке і Раймон Тампль, благородність матеріалів не мала принципового значення. Поряд із золотом і кольоровими напівдорогоцінними каменями вони використовували сталь, срібло, кістку, дерево, ебоніт і т. п. Більш того, можна сказати, що в їхніх творах домінує чітка графіка форм, контраст білого і чорного, холодного і гарячого, протяжного і замкнутого - складові образу епохи механізації світу. У виробах комерційного спрямування все частіше 

 з'являються фігурки тварин. До таких речей відноситься знаменита «Пантера» Картьє, яка протягом декількох років залишалась брендом фірми. Але деколи такі вироби мали досить химерні форми. Виставка 1937 р. показала, що напередодні нової війни намітилося певне повернення до м'яких вигнутих ліній. Все ж головним принципом залишалися строгість форм і гармонійність пропорцій.