ХУДОЖНІ ТКАНИНИ ХІХ СТОЛІТТЯ

 ХУДОЖНІ ТКАНИНИ 19 СТОЛІТТЯ

     На початку 19 ст. французький винахідник Ж.М. Жаккар сконструював ткацький пристрій, який значно прискорив виготовлення механічним способом багато оздоблених художніх тканин.

Жозеф Марі Жаккар - французький винахідник ткацького верстата для візерункових тканин (машина Жаккарда).

Син ткача, він навчався у палітурника, потім став ткачем. Першу спробу влаштувати самодіючий ткацький верстат він зробив в 1790; потім винайшов машину для в'язання сітей і повіз її в 1804 в Париж, де моделі Вокансона навели його на остаточну конструкцію верстата, повністю завершеного лише в 1808. Наполеон I нагородив Жаккара пенсією в 3000 франків і правом стягування премії в 50 франків з кожного чинного у Франції верстата його конструкції. У 1840 Жаккара спорудили пам'ятник у Ліоні. 

Портрет Ж.М. Жаккара, витканий на жаккардовому верстаті

Тканина виходила надзвичайно красивою як з лицьового боку, так і з виворітного. Незважаючи на те, що методика багатоколірного ручного в'язання існувала і до того часу, але загальноприйняте найменування - жакккард - тканина отримала саме в честь знаменитого французького ткача. Спосіб автоматичного контролю за ниткою на ткацькому верстаті, винайденому Жозефом Марі Жаккардом, полягав у застосуванні спеціальних карток з просвердленими в них отворами,  відповідно до задуманого малюнка. Унікальність жаккардового способу переплетення ниток полягала в можливості контролювати кожну нитку основи окремо від інших (піднімати або опускати, залежно від малюнку). Тисячі подібних ниток використовувалися для формування  візерунків на верстаті, після чого і виникав той чи інший орнамент. За допомогою своєрідних перфокарт (спеціальних карток) задається суворо певна послідовність формування напрямку нитки для кожного орнаменту. До сьогоднішнього дня принцип створення жаккардової тканини залишається незмінним, крім того факту, що сучасний ткацький верстат управляється комп'ютером. 

Жаккардовий ткацький верстат

Як свідчить історія, Наполеон щедро віддячив вправного французького ткача за його унікальний винахід, призначивши пенсію в 3 тисячі франків.  Відомо, що в Ліоні навіть зведено пам'ятник Жозефу Марі Жаккард - синові ткача, винахіднику оригінального верстата для отримання жакардових тканин, яка згодом, як виявилося, стала використовуватися для пошиття покривал, чохлів, постільної білизни та ін. Своєрідний рельєфний малюнок, який утворюється в результаті складного переплетення на щільній тканині, нагадує  гобелен. Чим товщі нитки, застосовувані в плетінні, тим міцніше тканина.

    Одним з найвідоміших британських текстильних дизайнерів можна назвати Вільяма Морріса (1834-1896). 

Морріс був важливою фігурою в русі «Мистецтва і ремесла», яке стало протестом групи художників, конструкторів і архітекторів, стурбованих зниженням якості і втратою краси та індивідуальності у виробах декоративно-ужиткового мистецтва, що відбулося, внаслідок механізації і стандартизації виробництва в ХIХ столітті в Британії. У 1861 році Морріс зі своїми однодумцями створив, відому і донині,  компанію Morris & Co. Буквально відразу ж, вироби Морріса стали широко відомі і бажані у всіх будинках середнього і вищого класу. Компанія зробила сильний вплив на оформлення інтер'єрів протягом усього вікторіанського періоду. У своїх роботах Морріс використовував ручні техніки фарбування і розпису текстилю, чим довів, що масове виробництво може бути красивим і унікальним. 

Виробничий процес в Morris & Co

Всі його патерни дивували унікальним поєднанням простоти і багатства. Натхненний ісламською культурою, Вільям Морріс прославився своїми малюнками по тканині у вигляді квітів, виноградних лоз, турецького бобу і інших елементів природи. У своїх роботах він використовував насичені природні кольори, такі як зелень, коричневі тони, охра і бірюза. 

Дизайн У. Морріса

Архівний зразок шпалер Fruit із зображенням гранатів, лимонів і оливок, 1862 р

Крісло. Орнамент Bird, бл. 1870 р

У 1887 він засновує "Рух мистецтв і ремесел" (Arts and Crafts), яке поширює його ідеї чи не на всі галузі художньої діяльності. "Мистецтва і ремесла" стають найменуванням стилю, яке проявилося в архітектурі, меблях і книжкової графіки, у розписах на тканинах, в створенні садів та кераміці.

Цей стиль відрізначався насиченою декоративністю, камерністю, ретельно продуманою простотою і рукотворністю. Незабаром він завоював популярність у всій Європі і спровокував виникнення модерну - нового "великого" стилю в європейському мистецтві.

Дорогі тканини модерну орнаментувалися стилізованими формами кучерявих, екзотичних, болотних рослин, водоростей, раковин, медуз, внутрішньою будовою квітів і листя. Візерунок розташовувався асиметрично. Колірна гамма будувалася на помірних приглушених тонах: глибокий гранатовий, темно-зелений, тютюновий, бронзовий, численні відтінки сірого, ніжно-блакитного і рожевого. Портьєри, оббивка меблів, шпалери майже завжди з примхливим рослинним орнаментом, великими квітками або японськими мотивами. Японія якраз входить в моду. Вишуканими вважаються палеві, сріблясті, лілові, сірувато-зелені кольори. Модерн прагнув внести красу мистецтва у повсякденну функціональність.

   Моріс Піяр-Верней (Maurice Pillard-Verneuil) - мабуть, один з найбільш талановитих художників епохи модерну. У 1908 році Моріс Піяр-Верней (1869-1942) в книзі «Етюди рослин і їх використання в художньому промислі» описав і  проілюстрував декоративні можливості природних форм. У пошуках мотивів і натхнення Верней звертається до природи, що властиво було для художників епохи Ар Нуво. У своїх працях художник аналізує різні квіти і рослини і описує спосіб перетворення рослини  або окремої її частин (пелюстки, стебла, листя, бутона) в цікавий візерунок на тканині, в металеву конструкцію, вигадливий розпис на склі або порцеляні, візерунок на шпалерах, чудове мереживо.

З митців нового напряму в художньому ткацтві у Франції відомий засновник рисувальної школи і магазину-майстерні «Мартіна» Поль Пуаре. Творчість Поля Пуаре - це новий етап в європейській моді початку XX століття. Завдяки Пуаре жінки остаточно відмовилися від корсета. Пуаре запропонував замість корсета використовувати сорочковий крій жіночого плаття. Поль Пуаре одним з перших почав використовувати нестандартні матеріали для створення одягу. Наприклад, з розшитої візерунками скатертини, привезеної з Росії, він зшив чудову сукню. При створенні своїх нарядів Пуаре часто використовував драпірування - ще одна характерна особливість його творчості, в мистецтві драпірування тканин Пуаре просто не було рівних. Пуаре вдалося налагодити випуск під своїм ім'ям аксесуарів і парфумів - тут він теж був першопрохідцем. У творіннях Пуаре переважають яскраві і чуттєві, часом екзотичні фарби. Пуаре віддавав перевагу благородним тканинам, він використовував шовк, оксамит, тюль, парчу, натуральне хутро. Турбота про створення фірмового стилю природним чином привела Пуаре до думки про власних «ексклюзивних» тканинах.

Робота над новими тканинами була лише початком тієї кипучої діяльності з перетворення предметного середовища людини нового століття, яку Поль Пуаре розвинув у короткий період між 1911-1914 роками. І, як завжди, Пуаре підійшов до вирішення цієї грандіозної задачі нетрадиційним шляхом.

У квітні 1911 року Пуаре відібрав в муніципальних школах паризьких передмість невелику групу - 15 художньо обдарованих дівчаток 12-13 років. Дитяча школа декоративних мистецтв на вулиці Сент-Оноре отримала назву «Мартіна» на ім'я другої дочки Пуаре. У Франції вона стала першою школою такого роду. Пуаре бере дівчаток на пансіон і навіть платить кожній невелику суму грошей. Навчальна програма, розрахована спочатку на традиційне художнє виховання, з 1912 року починає орієнтуватися на фіксацію живого безпосереднього дитячого сприйняття. Для того, щоб стимулювати фантазію дітей, наповнити її новими зоровими образами, учениць водять в парки, музеї, і, перш за все, в Лувр, в Версаль. Вони відвідують ринки, заповнені строкатим мальовничим натовпом, кольорами садів і городів паризьких передмість. Повернувшись в студію, дівчатка із задоволенням вихлюпують на папір багатство живих, свіжих відчуттів і образів минулого дня. Усі малюнки виконуються гуашшю або аквареллю без попередніх начерків.

Через шість місяців після відкриття дитячої школи Пуаре створює на її базі професійну декоративно-прикладну студію, де дитячим малюнком надається стилістична завершеність. Як і школа, студія називається «Мартіна». Пуаре розсилає малюнки «мартінок» на текстильні підприємства, на фабрики декоративних тканин, шпалер та килимові виробництва; він відсилає їх і в Севр, де по них виконуються розпису по фарфору. «Мартінки» не тільки малюють, а й власними руками виготовляють килими. Вони користувалися великою популярністю. Дитяча школа і декоративна студія «Мартіна» внесли істотний внесок в історію розвитку декоративно-прикладних мистецтв Франції. Поль Пуаре помер у Парижі в 1944 році.

Ар-деко в орнаментації одягових тканин 20-х рр. Творчість Соні Делоне в царині текстильного дизайну.

Ар-деко, Арт-деко, — мистецька течія першої половини XX століття. З'явилася і розвивалася в архітектурі, декоративному мистецтві, моді та живописі. Для нього властиві симетрія, геометричні візерунки, півтони, строкаті орнаменти, розкіш, шик. Арт-деко ще називають  «стиль зірок», він навчив людство цінувати еклектику. 

Близькість ар-деко до модерну ще відчувається в малюнках текстилю. Мотиви схожі, проте ритм вже інший - більш експресивний.  У 1925 році в Парижі відбулася Міжнародна виставка сучасних декоративних і промислових мистецтв (Exposition Internationale des Arts Decoratifs Et Industrie is Modernes). Після неї термін «ар-деко» став загальновживаним. На американців виставка справила сильне враження, і власники великих універсальних магазинів «Мейсіз» і «Лорд і Тейлор» вирішили стимулювати попит на сучасні меблі за допомогою публічних експозицій. Їх шоу мали в США великий успіх і спровокували в країні, і в першу чергу в Голлівуді, моду на інтерпретацію модерну в дусі ар-деко. Так народився знаменитий «стиль зірок» 1930-40-х років. Хоча новий стиль був прямим спадкоємцем модерну, не забував він і про класицизмі, придивлявся до примітивного етнічною мистецтву, враховував відкриття дизайнерів «Баухауза». Ар-деко пропонував публіці нове уявлення про сучасну розкіш. У хід пішли екзотичні матеріали: слонова кістка, ебенове дерево, кокос, перламутр, бамбук, шагренева шкіра, шкіра акули, ската, крокодила, вугра, навіть шкурки ящірок.

 На відміну від рослинних тем модерну, ар-деко надавав перевагу геометричним формам і орнаментам, прямі лінії, абстрактні композиції, візерунки з східними і африканськими мотивами.

Соня Делоне будучи за походженням єврейкою з Полтави, вона вийшла заміж за французького художника Делоне, котрий належав до авангардного напрямку. У Франції Соня Делоне стала виключно популярною ілюстратором моди і творцем дизайнів текстилю. Їй належить заслуга розробки в текстилі абстрактно-конструктивістській теми, інспірованої творчістю Малевича і Кандинського. "

Інтерес Соні Делоне до декоративного мистецтва проявився вже до початку 1910-х років, коли, колисаючи новонародженого сина, вона оформляє квартиру своїми декоративними роботами. До цього періоду належать численні предмети повсякденного побуту: плафони для ламп, подушки, сумочки, шкатулки, книжкові палітурки і т.д. Ці предмети були створені в основному з клаптиків різноманітного кольору, форми і фактури, з'єднаних в техніці аплікації або просто зшитих між собою. Серед них особливо відомим стало "клаптикова ковдра" зроблена для сина в 1911 р.

Події Першої світової війни змусили подружжя переїхати до Португалії, а після в Іспанію, де Соня познайомилася з Ігорем Стравінським, Сергієм Дягілєвим, Вацлавом Ніжинським. Для антрепризи Дягілєва вона створювала ескізи костюмів, а до балету «Клеопатра» - декорації. У цей період Соня Делоне береться буквально за будь-яку роботу: створює моделі одягу та взуття, малюнки до гральних картах, театральні костюми, займається тюнінгом автомобілів, створює килими, ілюструє книги.

Після війни подружжя повернулося в Париж, де Соня Делоне подружилася з засновниками сюрреалізму Андре Бретоном і Луї Арагоном, а також презентувала свої знамениті "сукні-вірші". Поетичні рядки, які художниця відтворила на модних нарядах, написав знаменитий дадаїст Трістан Тцара. Її ноу-хау увійшли в моду, і в 1924 році на Єлисейських полях вона відкрила «Сімультаністський бутік». 

"Симультанізм"

Там демонструвалися моделі ділових, вечірніх та спортивних суконь з тканин подібного авангардного типу - з великими і помітними колірними візерунками, розрахованими на поєднання з аналогічними декоративними ритмами модних інтер'єрів.

Соня Делоне належить до найбільших майстрів європейського авангарду. Твори Делоне знаходяться у багатьох світових музейних зібраннях. Померла Соня Делоне 5 грудня 1975 в Парижі. Їй було 94 роки.

У Німеччині експериментальну роботу в царині декоративно-ужиткового мистецтва розгорнуло відоме архітектурно-художнє об’єднання «Баухауз», яке мало певні здобутки і в галузі художнього ткацтва.

Навесні 1927 року Гунта Штольц взяла своє посвідчення, закреслила слово «Студент» та написала «Майстер». Тепер в історії Вищої школи будівництва і художнього конструювання «Баухауз» вона залишиться першою і єдиною жінкою Майстром і опиниться в одному ряду з Вальтером Гропіусом, Паулем Клеє, Василем Кандінськім, Ласло Мохолі-Надем, Марселем Брейером, Лайонелом Файнінгером ...

   У «Баухаусі» Гунта стала художником по текстилю і зробила забуту всіма ткацьку майстерню одним з найуспішніших проектів школи. Творче самовираження студентів перетворилося на сучасний промисловий текстильний дизайн. А ідеї видатних художників і теоретиків мистецтва Пауля Клеє і Василя Кандинського знайшли своє втілення в практичній площині. Гунта розробляла нові види тканого плетіння, експериментувала з синтетичними матеріалами, зокрема, з целофаном, придумувала «залізне полотно» для стільців Марселя Брейера, перевіряла можливості нових технік фарбування. 

Тоді ж вона освоїла складну жаккардовую техніку і виконала в ній перше настінне панно. Гунта оперувала термінами сучасного мистецтва, намагаючись позбавити ткацтво від ярлика «жіноча робота». Результат - нові геометричні та абстрактні текстильні твори для ручного і промислового виробництва. Майстерня виявилася відмінним місцем для експериментів і імпровізації. 

Гунта зі студентками вивчала властивості тканин та синтетичних волокон. Вони тестували такі якості матеріалів, як колір, текстура, структура, стійкість до зношування, пластичність, стійкість до вицвітання і звукопоглинання. Штольцл вірила, що завдання ткацтва полягає у створенні естетики, підходящою до властивостей матеріалу.

Гунта Штольцл стала одночасно Майстром форми і технічним керівником ткацької майстерні. Спочатку їй присвоїли звання Молодшого Майстра, а через рік - Майстри. Майстерня отримувала безліч замовлень і стала самим фінансово успішним відділенням в «Баухаузе». У 1930 Гунта Штольцл підписала перші дипломи випускниць ткацької майстерні. А в 1931 змушена була покинути «Баухауз» під тиском нацистів.

         Гунта Штольцл емігрувала до Швейцарії, де з колишніми студентами «Баухауза» відкрила ткацьку майстерню. 

Вона успішно керувала майстернею в різних формах до 70 років, після чого віддалилася від справ у свій будиночок в горах і займалася виключно гобеленами за власними ескізами. Її не стало 22 квітня 1983 року.